Desde su fundación, la Bienal Rufino Tamayo ha sido un dispositivo crucial para seguir la evolución de la pintura en México. Más que un concurso, ha funcionado como una estructura que permite leer las tensiones, derivas y persistencias de un medio que, lejos de agotarse, encuentra nuevas formas de respirar. Su origen respondió a la necesidad de defender la pintura en un momento histórico donde otros lenguajes comenzaban a desplazarla o, al menos, a ponerla bajo sospecha. Hoy, en un ecosistema donde la pintura se ha expandido hacia territorios matéricos, conceptuales, comunitarios y procesuales, esa misión se vuelve más urgente que nunca. La pregunta ya no es si la bienal sigue siendo necesaria, sino cómo debe transformarse para acompañar el presente.

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Solemos olvidar que el arte medieval no era arte. Reconocemos con relativa facilidad que los megalitos, la pintura rupestre, la cerámica temprana o las figurillas paleolíticas no fueron concebidas para la contemplación estética; esto resulta menos evidente cuando se trata de la escultura de una santa, un retablo o un relicario en una catedral. Sus funciones eran múltiples y diversas, desde acompañar la vida social y exaltar el espíritu hasta operar como recursos pedagógicos. Antes de la noción de arte autónomo –formulada en Europa hacia el siglo XV y refinada en los salones del XVIII– las imágenes existían porque eran necesarias y se usaban.

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Antes de entrar, el Museo Diego Rivera Anahuacalli exige quitarse todos los prejuicios ideológicos asociados al cubo blanco y su papel histórico en la guerra fría: como espacio de “neutralidad” para el despliegue estético y político de Estados Unidos en su pugna con Europa y el resto del mundo. El Anahuacalli hace de museo de antropología, archivo personal, pirámide de adoración y casa popular de acercamiento cultural. En un espacio tan codificado, las exhibiciones temporales son un reto museográfico y crítico, pues no sólo hay que colocar nuevos objetos junto a los miles que ya hay, sino imaginar espacio en donde parece no haberlo. Se trata de organizar por sustracción.

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Mi celular ha dejado de funcionar a velocidades óptimas debido a la vasta acumulación de información sentimental: fotos de múltiples estilos y encuadres, notas de voz sobreanalizando situaciones amorosas y laborales, videos que buscan acortar las distancias, stickers y spam. Ante el cúmulo de materialidades, una no puede evitar pensar en cuál será el paradero de todos nuestros archivos personales. Notas de voz es una pieza instalativa de la artista Elsa-Louise Manceaux en el Museo Jumex que también deja pasar información. La exposición, curada por Marielsa Castro, Rosela del Bosque y Natalia Vargas, consiste de tres pinturas en las cuales se proyectan tipografías que funcionan como contenedoras de distintos tipos de mensajes y palabras, así como algunas traducciones de notas de voz de la artista. Las dimensiones íntimas de esta obra se hacen evidentes en el momento en el que escuchamos dulces entonaciones —algunas urgentes— y acentos variados en la sala.

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