Un fauno en Morán Morán. Sobre la exposición Mapplethorpe: Escultura

Dentro de la galería Morán Morán, sobre las paredes impecablemente blancas, hay hileras de fotografías acomodadas con distancias precisas entre sí. Todas se hallan enmarcadas de la misma manera, homogeneizando los formatos. La orquídea dispuesta sobre una superficie con sus lánguidos pétalos y unas piernas abiertas hacia la cámara sobre una sábana delicadamente arrugada. El mármol gris del piso es estremecedoramente frío; como si pudiera tocarlo con los ojos, me doy cuenta de que hay ciertas exposiciones en las que existe un eco del bondage. Con sus materiales y temperaturas, el espacio termina por disciplinarte hasta llegar a la inmovilidad contemplativa. Una suspensión temporal que contiene al placer, lo ordena y lo adiestra.

Mapplethorpe: Escultura es una exposición curada por Tobias Ostrander en la que a través de 36 fotografías se explora la fascinación que tuvo el artista con los aspectos escultóricos de cuerpos y objetos a lo largo de su trabajo. Las seis polaroids en blanco y negro datan desde inicios de los años setenta y son el formato en el que más aparecen los autorretratos, intercalados con imágenes de esculturas clásicas en parques y plazas públicas. Las primeras impresiones en plata sobre gelatina comenzaron en 1978 y terminaron en 1988, la década en la que alcanzó la cúspide de su celebridad y reconocimiento artístico. Hay flores, arneses de cuero, cadenas, retratos y esculturas de mármol y bronce que remiten a una de las retrospectivas más importantes, titulada The Perfect Moment, organizada por Janet Kardon para el Instituto de Arte Contemporáneo de Philadelphia. Inauguró en 1988, generando denuncias inquisidoras de grupos como la American Family Association, por el contenido explícito de las imágenes. The Perfect Moment sucedió meses antes de que Robert Mapplethorpe muriera por complicaciones a causa del VIH.

Apollo (1988) se talló nuevamente desde el oscuro fondo contra el que nos muestra su perfil y mira hacia alguna parte, allí donde miran todas las esculturas clásicas con sus ojos fantasmales. Los contrastes generados por la fotografía en blanco y negro presentan una composición reconocible dentro de la genealogía de la historia del arte. Para una sensibilidad renacentista como la de Mapplethorpe no existe división entre forma y contenido, propuesta por el arte conceptual de los años setenta en Estados Unidos. Los drapeados en algunos de sus fondos y las bases de piedra sobre las cuales coloca a los sujetos fotografiados aumentan la indisociabilidad entre los bulbos de las flores y los testículos, la piel y el mármol. Todo se vuelve un ejercicio de proporciones: el ojo humano es quien juzga y recibe la belleza de su correcta ejecución.

Hay un óleo en el que aparece retratada Lucrezia Borgia, pintado entre 1519 y 1530. Nació el 18 de abril de 1480 en pleno Renacimiento italiano y estuvo casada con Alfonso d’Este, duque de Ferrara, formando uno de los matrimonios más importantes en relación al mecenazgo artístico de la época. En la parte inferior de la pintura, escrita en un latín dorado, se halla la inscripción: CLARIOR HOC PVLCRO REGNANS IN CORPORE VIRTVS (Más clara que la belleza es la virtud que reina en este virtuoso cuerpo). Durante muchos años se creyó que la imagen era de un hombre joven sin nombre. Al reverso del retrato de Ginevra de’Benci, pintado entre 1474 y 1478 por Leonardo Da Vinci, se encuentra entre ramas de laurel y hojas de palma la oración, también en latín: VIRTVTEM FORMA DECORAT (La belleza adorna la virtud). Este tipo de acompañamiento textual es característico de muchas pinturas del Renacimiento, en gran parte debido al renovado interés en obras literarias de la Antigüedad clásica como “La Eneida” de Virgilio (I a.C), encargada por el emperador Augusto con el fin de establecer las virtudes romanas o los valores a los que debían aspirar los ciudadanos como la salubritas, la humanitas y la veritas. Un cuerpo sano, humano y verdadero es uno virtuoso.

Virtud viene del latín virtutem que significa ‘poder’ y se relaciona con la raíz vir que viene de ‘hombre’. El humanismo romano y los valores cristianos que se derivaron de él son las bases sobre las cuales se configuró un ideal humano entendido como masculino. La manera en que Robert Mapplethorpe se detiene sobre un tendón y utiliza la técnica de impresión en plata para acentuar las hendiduras musculares es una continuación de estas ideas, si bien puestas en tensión con un contexto neoyorquino contracultural, en el que la pureza constitutiva de una relación amorosa entre dos hombres en la antigüedad ahora era relacionada con la perversión. Es notable también cómo muchas de las fotografías solo muestran ciertas partes, quizá como referencia a las esculturas griegas y su estado de ruina, de cuerpo incompleto: las piernas de Milton Moore (1981), el torso del bailarín Peter Reed (1980) inclinado y abrazándose, así como la afilada mandíbula de Dennis (1978). A la vez que son la representación de una masculinidad idealizada, desafían lo que es un cuerpo virtuoso, un cuerpo sano o un cuerpo bello.

La Young Men's Christian Association (Y.M.C.A) se fundó en 1844 por George Williams como un espacio donde los hombres jóvenes pudieran desarrollar una mente, cuerpo y espíritu sanos, a partir de principios cristianos. Pienso en la escultura de Mussolini fotografiada en 1988 y en lo peligrosas que son las dimensiones eróticas de rendir culto al joven tanto en los imaginarios fascistas como en las organizaciones juveniles. Durante los años setenta la Y.M.C.A tuvo la connotación de ser un lugar para practicar el cruising o la búsqueda de encuentros sexuales. Cuando les han preguntado sobre su postura política a los integrantes de The Village People, (la banda que inmortalizó el hit Y.M.C.A, así como Macho Man, en 1978) han respondido: “Whatever. We’re not Joan Baez”. No quisiera sobrepolitizar las fotografías de actos sexuales BDSM y la cultura leather en esta exposición, más bien, prefiero verlas como un reflejo de las utopías masculinas que el artista encontró en bares como el Mine Shaft, en Nueva York, uno de esos lugares en que gran parte del prestigio se determinó en relación a las personas a las cuales se les negó entrada, como a Rudolf Nureyev.

The Mine Shaft dress code

as adopted by the club on October 1, 1976

is to be followed during the year 1978.

The Board of Directors

Approved dress includes the following:

Cycle leather & Western gear, levis

Jocks, action ready wear, uniforms,

T shirts, plaid shirts, just plain shirts,

Club overlays, patches, & sweat.*1

Hay un autorretrato de Robert Mapplethorpe disfrazado de fauno (1985). Mira a la cámara y me mira a mí, recordándome que no puedo tomarme todo esto tan en serio. La contracultura leather surge después de la segunda guerra mundial, con hombres que renuncian a los valores y estructuras heteronormativas de la familia nuclear; una huída de la virtud y la buena ciudadanía de su tiempo. Más que con las imágenes de ideales de belleza renacentista, me quedo pensando en la amistad de Niso y Euríalo, quienes de haber nacido en Nueva York durante la posguerra, seguro se habrían fugado en motocicleta o bailado toda la noche vestidos de cuero.

— Mariel Vela

*1

El código de vestimenta en Mine Shaft

Adoptado por el club el 1 de octubre de 1976

Y que deberá ser acatado durante el año de 1978

Consejo de Administración

La vestimenta aprobada es la siguiente:

Ropa de cuero o estilo Western, Levi’s

Suspensorios, ropa lista para la acción, uniformes

T - shirts, camisas de tartán, camisetas básicas

Club overlays, parches & sudor.

La exposición Mapplethorpe: Escultura se puede visitar en Morán Morán, Ciudad de México hasta el 18 de agosto.

Imagen de portada: Robert Mapplethorpe. Self-Portrait, 1985. © Robert Mapplethorpe Foundation.